Este es un blog en el que encontraras algunos de los más significativos métodos de educación musical, los cuales puedes utilizar y retroalimentar con nosotros; encontraras metodologías de maestros tan prominentes como: Émile Jaques-dalcroze, Carl Orff, Zoltán Kodály,Edgar willems y Maurice Martenot.
Viktor Lowenfeld (1903–1960) fue un profesor de educación artística en la Universidad Estatal de Pensilvania, que ayudó a definir y desarrollar el campo de la educación artística en los Estados Unidos.
Viktor Lowenfeld (19033 - 1960)
En 1947 publicó Creative and Mental Growth , que se convirtió en el libro más influyente en educación artística durante la última mitad del siglo XX. Este libro describía las características de las producciones artísticas de los niños en cada edad:
Etapa del garabato(de los 2 a los 4 años) En esta etapa no hay una auténtica motivación para representar objetos o personas sino simplemente una motivación hacia el movimiento. Lowenfeld profundiza en esta etapa hablando de hasta tres tipos diferentes de garabateos:
Etapa del garabateo desordenado El niño comienza a garabatear en torno a los 18 meses. Estos primeros dibujos no tienen sentido ni representan nada, y son desordenados, porque el niño aún no tiene ningún control sobre sus movimientos. Cuando dibuja, el niño hace movimientos burdos, y al dibujar mueve todo el brazo. Es común que el niño ni siquiera atienda cuando dibuja. En este momento, el niño aún no muestra ningún interés por el color.
Etapa del garabateo controlado El niño se va dando cuenta de cómo sus movimientos afectan al papel y se siente atraído al comprobar como su movimiento afecta a su entorno. En este momento al niño ya le atraen los cambios de color cuando garabatea.
Etapa del garabateo con nombre Esta etapa es similar a la que Georges-Henri Luquet llamaba etapa del Realismo Fortuito. El niño observa los garabatos y les busca un significado: “eso es una casa”, “ese es un niño”. Pero esta explicación es a posteriori; el niño no intentaba dibujar eso y no hay concordancia de color (por ejemplo, lo que ha dibujado con su lapicero rojo dice que es un árbol).
Etapa preesquemática (de los 4 a los 7 años) El niño se siente tan atraído hacia el dibujo que puede llegar a concentrarse en la tarea durante media hora. El niño comienza a elaborar esquemas en sus dibujos. En este momento por primera vez intenta reflejar algo. Aquello en lo que por primera vez siente interés es en la figura humana, y la manera en lo que lo representa es en los llamados “renacuajos”, que muchas veces son una cabeza de la que surgen dos piernas largas. La importancia que le da a la cabeza viene de que el niño lo relaciona con los principales sentidos, con la alimentación y con el reconocimiento de la cara de los seres queridos. Al principio los rostros y los dibujos tienen pocos elementos, y poco a poco los va aumentando de forma progresiva. Esta es una característica típica de esta etapa, la adición de elementos.
Etapa esquemática (de los 7 a los 9 años) Los dibujos representan el concepto del objeto para el niño. Aun así, algunos dibujos se asemejan más que otros a la realidad. Esto dependerá de su experiencia personal. Trata de representar el objeto tal cual es, incluidos los colores.
Etapa del realismo (de los 9 a los 12 años) Hacia los 9 años la representación esquemática y las líneas geométricas no bastarán para permitir que el niño se exprese; intenta ahora enriquecer su dibujo y adaptarlo a la realidad. El dibujo es más natural. Es la edad de la pandilla, una época en que sus pares (sus iguales) adquieren una gran importancia. Descubren su independencia social. Los chicos disfrutan con sus reuniones y códigos propios, en ese mundo lleno de emociones que los mayores no comprenden.
Etapa del pseudonaturalismo(de los 12 a los 13 años) El producto final adquiere cada vez más importancia. El dibujo ya tiene una perspectiva espacial, y el dibujo del cuerpo adquiere un mayor significado, aumentando las características sexuales en el dibujo.
Etapa de la decisión (de los 13 a los 14 años) El niño decide cuál técnica desea perfeccionar y elige una, según el producto que desea obtener. Lo dibujado demuestra sentimientos (impresionismo sensorial).
Émile Jaques-Dalcroze (Viena, 6 de julio de 1865 – Ginebra, 1 de julio de 1950), fue un compositor, músico y educador musicalsuizo que desarrolló eurhythmics, un método de aprendizaje y de experimentar la música a través del movimiento. La influencia de eurhythmics puede ser vista en la pedagogía del Método Orff, común en la educación musical en escuelas públicas de los Estados Unidos.
Émile Jaques-Dalcroze (1865 - 1950)
El Método Dalcroze involucra el enseñar conceptos musicales a través del movimiento. Dalcroze creía en la necesidad de un sistema educativo capaz de desarrollar las siguientes destrezas en los estudiantes:
- Regularizar las reacciones nerviosas
- Desarrollar sus reflejos
- Establecer automatismos temporales
- Luchar contra las inhibiciones
- Afinar su sensibilidad
- Reforzar sus dinamismos
- Establecer la claridad en las armonías de las corrientes nerviosas y de los registros nerviosos
cerebrales.
Para la consecución de todos estos objetivos, Dalcroze se apoya en el desarrollo de tres elementos básicos igualmente importantes:
- Movimiento Rítmico – Eurhythmics
- Solfeo
- Improvisación
En el siguiente vídeo esta mas explicado el metodo Dalcroze, a través de una actividad
Estos tres elementos básicos se corresponden con tres principios fundamentales:
1. Expresión sensorial y motriz en la aplicación del método. El cuerpo se pone en acción conducido por la música. Es una educación de base y a la vez de sensibilidad y motricidad. Esto hace que pueda ser aplicado a edades muy tempranas.
2. Conocimiento intelectual que se introduce una vez adquirida la expresión sensorial y motriz.
3. Educación rítmica y musical, educación global de la persona que abarca las facultades corporales y mentales, proporcionando una mayor coordinación entre ellas e incluyendo en éstas la improvisación.
Aunque la metodología Dalcroze está estructurada para los diferentes niveles educativos, se centra más en la educación infantil. Además de ser aprobado por médicos y psicólogos, fue aplicado también para niños con necesidades especiales (Musicoterapia).
En el siguiente link podrás encontrar mas información acerca de esta metodología:
Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895-ibidem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o 'método Orff') que ha tenido notables resultados.
Carl Orff (1895 - 1982)
Metodología
Su metodología presenta el siguiente proceso: partir de la palabra para llegar a la frase la frase es transmitida al cuerpo transformándolo en instrumento de percusión trabajar la nominada “percusión corporal” pasar progresivamente a la pequeña percusión instrumental. Pasar progresivamente a los instrumentos de sonidos determinados. Es decir, primero se trabajan los instrumentos corporales, más próximos a los niños, (pasos, palmas, pies, pitos ...) y posteriormente se abordarán los distintos instrumentos de percusión comprendidos en el denominado “Instrumentarium Orff”. Estos instrumentos no sólo pretenden atender las necesidades expresivas del niño, mediante la ejecución de un instrumento determinado, sino también su participación en grupo, facilitando la improvisación y la creatividad.
-Dar importancia a la forma de ser y comportamiento del niño.
-Desprecio por la teorización excesiva.
-Insistencia en tres conceptos: palabra, música y movimiento.
Elabora ejercicios rítmicos y melódicos, donde aparecen actividades para instrumentos de percusión (pandero, timbales, placas), flautas, etc.
El método Orff es un intento de dotar a la escuela primaria de ideas y material racionales para la educación musical de los niños. Allí es donde los niños se educan en un sentido amplio, desarrollan sus sentidos y aprenden. Al poner al niño en relación con la música hay que hacerlo tomando los elementos musicales en su estado más primitivo y originario, de la misma manera que obra y piensa el niño. Estos elementos, en su estado natural, son ritmo y melodía.
Un ejemplo del método Carl Orff lo veras en el siguiente vídeo
La base de su método es la palabra, el lenguaje. Tales palabras se convertirán en generadoras del ritmo, lo que debe ser para Orff el inicio de la música. Para todo ello, va a intentarse buscar y asociar una serie de palabras con un significado concreto, con ciertos valores musicales. Generalmente, en castellano, se proponen las siguientes:
Van van an - do an - do co - rro co - rro
Se logra así asociar una determinada sensación lingüística de velocidad (ir, andar, correr, ...) con unos valores musicales más o menos breves, o lo que es lo mismo, más o menos rápidos. Orff comienza el aprendizaje con negras, ya que lo considera un pulso más natural. Por ampliación o reducción surgen las demás.
Por último, también se contempla en este método la iniciación melódica. Para ello Orff acepta que hay un intervalo especialmente complejo para los niños, en un primer momento: el de 2a menor. Por ello, utilizará al comienzo las escalas pentáfonas ( 5 sonidos) para pasar, posteriormente, a la diatónica o heptáfona (7 sonidos).
Zoltán Kodály(Hungría, 16 de diciembre de 1882 - Budapest, 6 de marzo de 1967) fue un compositor, gran pedagogo, musicólogo y folclorista húngaro de gran trascendencia. Se basó en la música campesina, la cual, según el autor, es conveniente que se comience a introducir en los ambientes familiares de los niños. El valor de Kodály se cifra fundamentalmente en su labor musicológica realizada en la doble vertiente de la investigación folclórica y de la pedagógica.
Zoltán Kodály (1882 - 1967)
Metodología
Su método parte del principio de que “la música no se entiende como entidad abstracta (solfeo en el plan antiguo), sino vinculada a los elementos que la producen (voz e instrumento) “. La práctica con un instrumento elemental de percusión y el sentido de la ejecución colectiva son los puntos principales en que se asienta su método. Podríamos resumir su método en los principios siguientes: -La música es tan necesaria como el aire. -Sólo lo auténticamente artístico es valioso para los niños. -La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical nacional en todos los niveles de la educación. -Conocer los elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental. -Lograr una educación musical para todos, considerando la música en igualdad con otras materias del currículo.
Su método, desde el punto de vista pedagógico, se basa en la lecto-escritura, en las sílabas rítmicas, la fononimia y el solfeo relativo. Con las sílabas rítmicas, Kodaly pretende relacionar a cada figura y su valor con una sílaba, con lo cual obtiene cierta sensación fonética y, por consiguiente, una relativa agilidad o lentitud en el desarrollo de las diferentes fórmulas rítmicas y su contexto global. Ejemplos de sílabas rítmicas Ta ta ta ta ti ti ti ti ti ri ti ri ti ri ti ri Con la fononimia, pretende indicar mediante diferentes posturas y movimientos de las manos, la altura de los sonidos y que los alumnos los identifiquen con sus nombres respectivos.
Un ejemplo del método Kodály lo veremos a continuación en el vídeo
Mediante el solfeo relativo se plantea la posibilidad de entonar cualquier melodía representada en una sola línea desde el punto de la escritura musical. Esta línea representa el pentagrama convencional y en ella estarán colocadas las diferentes notas con sus nombres respectivos debajo, dichos nombres no estarían completos ya que sólo aparecería la primera letra del nombre correspondiente. Con esta actitud y desde el punto de vista de la entonación, da igual la tonalidad en que se encuentre la obra musical original, pues siempre se podrá transportar a la tesitura más cómoda del intérprete.
En el siguiente enlace podrás encontrar un poco mas acerca del método Kodály
Edgar Willems (Lanaken, Bélgica, 13 de octubre de 1890 - 19 de junio de 1978). Acabados los estudios de magisterio y atraído desde siempre por la pintura, entró en la Escuela de Bellas Artes de Bruselas. En la música, que ya le interesaba, fue bastante autodidacta (aunque había recibido algunas clases de piano y había formado parte de la banda de su pueblo). Después de un período muy rico en experiencias humanas y artísticas, dejó Bruselas y se instaló en París hacia 1920.
Edgar Willems (1890 - 1978)
El método propone una serie de fases fundamentales que deben trabajarse en la clase de música, cuya duración podrá ser aproximadamente entre tres cuartos y una hora: 1. Desarrollo sensorial auditivo. 2. Desarrollo del instinto rítmico. 3. Canciones elegidas pedagógicamente. 4. Desarrollo de “tempo” y del “carácter” mediante marchas.
Esta corriente se basa en la diferenciación entre educación musical y enseñanza musical tradicional. La enseñanza tradicional consiste en la exploración de capacidades existentes en vez de su desarrollo, tendiendo a favorecer mediante una técnica cerebral o mecánica el desarrollo del virtuosismo, generalmente instrumental, aunque se descuiden otros valores tanto o más importantes. Es a principios de siglo, cuando va a manifestarse una reacción contra eso: utilizando los métodos más activos y desarrollando las posibilidades más creativas.
En este vídeo puedes observar una actividad con el método Willems
Aplicación:
Este método parte de la base de que debe ser empezado a emplear desde la edad más temprana, en el propio hogar. Ya en el colegio, se centra en el desarrollo de la capacidad vocal, mediante una serie de canciones infantiles que persiguen el dominiodel ritmo unas, y la preparac ión del oído otras, bien sea por intervalos melódicos determinados o por una armonía que se deja sentir al irse desarrollando. De entre todas ellas el método Willems hace varios grupos: canciones de primer grado, para los más pequeños que comienzan con una llamada o palabra a la que los niños deben responder musicalmente : “cu - chá”, “toc – toc”...canciones con mímica, en las que el ritmo plástico del movimiento se encuentra más cercano a la danza: El interés de este tipo de canciones radica en la consecución de la belleza en el movimiento. Canciones populares, con otros intereses (sociales, culturales o etnológicos) que deben anteponerse a los intereses meramente pedagógicos. Canciones para el desarrollo del instinto rítmico, donde la analogía con movimientos rítmicos (reloj, tren, pasos) ofrece grandes ventajas.
En este link podrás ver mas información acerca del método Willems:
Maurice Martenot (14 de octubre de 1898 – 8 de octubre de 1980), fue un sargento, violonchelista y radiotelegrafista francés, conocido por descubrir en 1928 las ondas que llevan su nombre a partir de la pureza de las vibraciones de los tubos radiales, lo que le llevó a una serie de investigaciones en el campo del sonido y la electrónica. El método Martenot no considera la enseñanza musical como un fin en sí mismo ni la mera adquisición de conocimiento como una prioridad, sino que piensa a la educación musical es parte esencial de la formación global de la persona.
Maurice Martenot (1898 - 1980)
Metodología
Los objetivos del método Martenot son: hacer amar profundamente la música; poner el desarrollo musical al servicio de la educación; favorecer el desarrollo del ser; dar medios para canalizar las energías; transmitir los conocimientos teóricos en forma viva, concretándolos en juegos musicales; formar auditorios sensibles a la calidad. Así pues, en las actividades propias de este método, deben realizarse: -Juegos de silencio -Ejercicios basados en el uso del lenguaje (para Martenot, el uso de la frase verbal es el principio para la realización del ritmo. -Audición interior -Formación sensorial
Martenot considera que para llevar a cabo un buen trabajo rítmico es indispensable que éste se realice como repetición de fórmulas encadenadas. Los ejercicios de “ecos rítmicos” con la sílaba la , son células propuestas por el maestro que deben terminar en un valor prolongado para el reposo. Imitar y repetir una fórmula desarrolla el órgano sensorial. Con respecto a la entonación, se parte de la imitación. Primero sin notación, con la sílaba nu, que puede subir o bajar de acuerdo con el intervalo, mientras sigue el movimiento melódico con el gesto (asociación del gesto y sonido) Los ejercicios de relajación y los juegos de silencio, son también actividades propias de este método.
En este enlace puedes encontrar un poco mas sobre el método Martenot
Podemos decir que estas metodologías son muy útiles para cualquier tipo de enseñanza, tanto musical, como de cualquier otro tipo de pedagogía, puesto que conceptualiza los conocimientos y saberes del maestro con las actividades didácticas propicias para los niños y jóvenes lo que crea un ambiente lúdico, el cual es llamativo para el estudiante, permitiendo una cohesión estrecha entre docente-aprendiz, y así logrando una mayor aceptación de los temas dados y ofreciendo mejores resultados. Esto beneficia a todas las partes por igual pues es una manera novedosa y eficaz de afrontar la hiperactividad en algunos estudiantes o cualquier tipo de condición, canalizando las energías de estos formandolos no solo en el ámbito mental y de conocimientos, sino también a nivel físico y motor, logrando un ser integral y auto critico.
Viktor Lowenfeld (19033 - 1960)
